Jean-François Perrier (MC93) : Votre écriture alterne les monologues et les scènes très dialoguées. Pourquoi ?

Dieudonné Niangouna : Le monologue d’un personnage, c’est ma façon de faire comprendre au lecteur ou au spectateur ce que j’entends dans ma tête quand j’écris, c’est comme si je parlais à voix haute. Le dialogue permet de poser ou de résoudre un ou des conflits en faisant entendre des opinions différentes. Le monologue permet de ne pas être dans le jugement, dans la nécessité de choisir l’une ou l’autre des propositions que peuvent faire les personnages dans le dialogue. Dans le monologue, le personnage « prend la route » et peut se permettre d’errer dans sa tête, d’enchaîner en passant du coq-à-l’âne, prendre un exemple puis un exemple contraire en étant toujours dans la problématique qui le nourrit au moment de sa prise de parole. Je me permets aussi dans le monologue de traiter des sujets que je ne peux pas traiter de manière directe dans le dialogue, en faisant « délirer » le personnage sans que celui-ci soit obligé de structurer sa pensée. Ce déploiement de soi, cette volonté de se débarrasser de la pierre que l’on peut porter sur le cœur n’est possible, pour moi, que dans le monologue.

J.-F.P : Votre pensée personnelle serait plus présente dans les monologues ?

D.N. : Certainement. Mais j’aime écrire des dialogues, j’aime trouver le petit détail à partir duquel il va y avoir échange de paroles, j’aime le jeu qui s’installe entre deux personnages à travers leurs répliques. Je peux déplacer un mot dans une phrase très volontairement pour qu’un débat se développe sur le déplacement de la langue. Ce sont de faux quiproquos, des pseudo-situations qui m’amusent. Très souvent, cela se passe entre des couples de personnages, comme Laurel et Hardy, comme les personnages de Beckett...

J.-F.P : Le théâtre a-t-il une force particulière pour parler de cette violence qui s’étale sur les écrans jour après jour ?

D.N. : Ce qui est important, c’est la force de « complexité » qu’il possède. Il n’a pas peur d’exprimer des points de vue différents, de confronter les idées. Au théâtre nous ne sommes pas au catéchisme, on ne peut pas dire simplement : « Dieu est bon. Aimez-le. ». On peut poser la question de Satan. Au théâtre, il faut assumer toutes les contradictions des positions, parfois très fermes, que l’on propose. C’est la richesse du théâtre de ne pas endoctriner mais de faire réfléchir, et surtout de prendre le temps de cette réflexion. J’appelle ça le temps de l’autopsie, le temps de la réparation, le temps de la sorcellerie. Le public vit en temps réel ce parcours complexe que des êtres vivants font devant lui et il partage l’insécurité de ce parcours. Des êtres de chair et d’esprit dans lesquels le spectateur peut se reconnaître. Le théâtre crée un temps pendant lequel ce partage est possible, c’est un espace poétique de liberté.

Propos recueillis par Jean-François Perrier en mai 2016, extraits d'entretien.